John Berger, ein vielseitiger britischer Denker, Essayist und Schriftsteller, ist weithin bekannt für seine Fähigkeit, komplexe kulturelle Phänomene zu beleuchten und herauszufordern. Eines seiner einflussreichsten Werke, „Ways of Seeing“ (Wege des Sehens), das ursprünglich als BBC-Fernsehserie konzipiert und später in Buchform veröffentlicht wurde, hat die Art und Weise, wie wir über Kunst nachdenken und sie betrachten, nachhaltig verändert. Basierend auf einem marxistischen Ansatz hinterfragt Berger traditionelle Interpretationen und lenkt den Blick auf die sozialen, wirtschaftlichen und ideologischen Kräfte, die unsere Wahrnehmung von Bildern formen.
Die Kraft des Sehens: Mehr als nur Betrachten
„Ways of Seeing“ ist keine konventionelle Kunstgeschichte. Vielmehr ist es ein Versuch, den Leser oder Zuschauer zu einer bewussten Neubewertung seiner eigenen Erfahrung mit Bildern und Kunstwerken anzuregen. Berger und seine Mitarbeiter nutzten die Fernsehserie und das Buch als Ausgangspunkt, um die Art und Weise zu untersuchen, wie Gemälde und Reproduktionen heute von der Mehrheit der Menschen in der westlichen Gesellschaft erlebt werden. Das Ziel war, die oft mystifizierte Welt der Kunst zu entzaubern und sie einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Berger war ungeduldig mit den Beschränkungen traditioneller, oft elitärer Kunstformen und ihrer begrenzten Reichweite. Sein direkter, nüchterner Stil spiegelt diesen Wunsch wider, ein populäres Publikum zu erreichen, auch wenn er manchmal Gefahr läuft, in Feierlichkeit abzugleiten.
Berger argumentiert, dass die kulturelle Mystifizierung der Vergangenheit einen doppelten Verlust bedeutet: Kunstwerke werden unnötig entrückt, und die Vergangenheit bietet weniger Schlussfolgerungen, aus denen wir schöpfen können, um zu handeln. Eine Gesellschaft oder Klasse, die von ihrer eigenen Vergangenheit abgeschnitten ist, ist weniger frei, zu wählen und zu handeln, als eine, die sich historisch einordnen kann. Da diese Vergangenheit gemeinschaftlich ist, verfehlt jeder Einwand gegen Bergers Popularisierungsziele von vornherein den Kern seiner Kritik. Seine kritischen Ziele sind im Allgemeinen politisch, aber nicht im engen Sinne von „Propaganda“. Er möchte ein Verständnis fördern, das es den Menschen ermöglicht, ihre eigene Position in der Geschichte und in Bezug auf visuelle Kultur zu erkennen.
Kunst im Zeitalter der Reproduktion
Ein zentrales Thema in „Ways of Seeing“ ist der veränderte Status des originalen Kunstwerks im Zeitalter der mechanischen Reproduktion, wie sie durch Fotografie und Film ermöglicht wird. Berger greift hier viele Ideen von Walter Benjamin auf, insbesondere aus dessen berühmtem Essay „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit“. Berger bietet eine klärende Lektüre von Benjamins oft komplexen Formulierungen und wendet sie auf die heutige Erfahrung von Kunst an.
Berger analysiert, wie die unbegrenzte Vervielfältigung von Bildern den einzigartigen Status des Originals verändert hat. Der Durchschnittsmensch besucht Museen selten und ist hauptsächlich daran interessiert, Werke zu sehen, die durch Reproduktionen berühmt geworden sind. Im Museum erlebt er diese Werke als „das Original der Reproduktion“. Der eigentliche Sinn des Werkes liegt somit nicht in seiner Form oder seinem Inhalt, sondern in seiner Einzigartigkeit. Diese Einzigartigkeit kann nur durch den oft öffentlichkeitswirksamen Marktwert des Werkes „bestätigt und gemessen“ werden. Dieser Wert wird fälschlicherweise oft als einfaches Spiegelbild des „spirituellen“ Wertes des Werkes dargestellt.
Da Spiritualität in der modernen Welt nicht mehr glaubwürdig ist, begegnet der Durchschnittsmensch dem Original, umhüllt von einer Atmosphäre „unechter Religiosität“. Berger zitiert eine Umfrage, die zeigt, dass Kunstmuseen die Menschen am häufigsten an Kirchen erinnern. Letztendlich läuft diese Aura „unechter Religiosität“ auf das „Mysterium unerklärlichen Reichtums“ hinaus. Das Original wird zu einer Reliquie, deren Wert weniger in dem liegt, was es aussagt, sondern in seiner materiellen Einzigartigkeit und seinem monetären Wert.
Berger betrachtet auch die wechselseitige Beziehung zwischen Originalen und Reproduktionen. Er glaubt, dass Reproduktionen und die „Informationen“, die sie enthalten, heute universell verfügbar sind und als eine „neue Bildersprache“ genutzt werden könnten, um bisher unbekannte oder unerkannte Aspekte persönlicher und kollektiver Erfahrung zu erforschen. Dies würde eine „neue Art von Macht“ verleihen. Doch in Wirklichkeit bleiben Reproduktionen und Originale in einer sich gegenseitig verstärkenden ideologischen Bindung gefangen. Trotz aller fantasievollen Möglichkeiten werden Reproduktionen immer noch verwendet, um die Illusion zu verstärken, dass sich nichts geändert hat, dass Kunst mit ihrer einzigartigen, ungeschmälerten Autorität die meisten anderen Formen der Autorität rechtfertigt und dass Kunst Ungleichheit edel und Hierarchien aufregend erscheinen lässt.
Die Ölmalerei als Sprache des Besitzes
Einer der provokantesten und einflussreichsten Argumente Bergers in „Ways of Seeing“ betrifft die traditionelle Ölmalerei vom Beginn der Renaissance bis etwa 1900. Berger betrachtet diese Periode als eine Art Post Mortem und argumentiert, dass die Ölmalerei im Wesentlichen eine Welt abbildet, die mit Waren gefüllt ist. Er folgt hier einer Beobachtung von Claude Lévi-Strauss, der feststellte, dass die Malerei in der Renaissance zu einem „Instrument des Besitzes“ wurde.
Reiche italienische Kaufleute sahen Maler als Agenten, die es ihnen ermöglichten, ihren Besitz an allem Schönen und Begehrenswerten in der Welt zu bestätigen. Die Bilder in einem Florentiner Palast stellten eine Art Mikrokosmos dar, in dem der Eigentümer dank seiner Künstler alle Merkmale der Welt, an die er gebunden war, in greifbarer Nähe und in möglichst realer Form nachgebildet hatte.
Berger argumentiert, dass die Technik der Ölmalerei es dem Künstler erlaubte, das zu verkörpern, was Berenson „taktile Werte“ nannte – Textur, Solidität, Volumen usw. – und sich daher fast zwangsläufig auf das Greifbare konzentrierte. Sie definierte das Reale als „das, was man anfassen kann“. Da die verwendeten Mittel so gut geeignet waren, „taktile Werte“ darzustellen, bezog sich das typische Ölgemälde in erster Linie auf die Erfahrung des Besitzes von materiellen Dingen, von Waren. Die im Ölgemälde implizierte Sehweise ist daher durch eine Welt bedingt und spiegelt sie wider, in der alle Werte auf den austauschbaren Geldwert von Waren reduziert wurden. Dass der Aufstieg der Ölmalerei historisch mit dem Aufstieg des Kapitalismus zusammenfällt, ist Bergers Ansicht nach kein Zufall. Ölmalerei, bevor sie etwas anderes war, war eine Feier des Privateigentums. Als Kunstform leitete sie sich aus dem Prinzip ab, dass du bist, was du hast.
Berger erörtert verschiedene Kategorien der Malerei – religiöse Allegorie, Porträtmalerei, Stillleben, klassische Allegorie usw. (Landschaft ist in gewissem Maße eine Ausnahme) – und wie die verdinglichende Vision der Ölmalerei auf jede dieser Kategorien zutrifft. Zum Beispiel argumentiert Berger, dass es einen tieferen Grund für die spirituelle Leere des durchschnittlichen allegorischen Gemäldes gab: „Manchmal funktioniert die ganze mythologische Szene wie ein Kleidungsstück, das dem Zuschauer-Besitzer hingehalten wird, damit er seine Arme hineinstecken und es tragen kann. Die Tatsache, dass die Szene substanziell und doch hinter ihrer Substanzialität leer ist, erleichtert das 'Tragen' davon.“
Berger wendet seine Analyse auch als Maßstab für kritisches Urteil an. Er meint, dass die außergewöhnlichen Werke der europäischen Tradition – Gemälde von El Greco, Watteau, Turner, Blake und anderen Größen der Kunstgeschichte – aus einem Kampf gegen die repräsentativen Normen dieser Tradition resultierten. Diese Werke, die im Gegensatz zu einem konventionalisierten Naturalismus geschaffen wurden, bieten Einblicke in menschliche Möglichkeiten, die die ideologischen Grenzen einer auf Warenproduktion basierenden Gesellschaft überschreiten oder untergraben.
Die Frau im Bild: Ein Objekt des Blicks
Ein weiteres wichtiges Thema, das Berger in „Ways of Seeing“ behandelt, ist die Darstellung der Frau in der westlichen Kunst, insbesondere im Aktgemälde. Er greift das inzwischen bekannte Thema der Frau als Objekt auf. Berger beginnt mit einer Untersuchung konventioneller Einstellungen von Frauen und Männern zu sich selbst und zueinander und beschreibt dann, wie diese Einstellungen in den Konventionen der Nacktheit widergespiegelt werden: die Passivität des Aktes, ihre Unterwerfung, die „Sexualität“, die nicht ihre eigene ist, sondern das Begehren, das sie im Zuschauer-Besitzer weckt. Ein bemerkenswertes Beispiel, das Berger anführt, ist Nell Gwynne als Venus, die Charles II. heimlich bei Lely in Auftrag gab. Wie im Essay über Ölmalerei nutzt Berger das Unauffällige als Maßstab, um das Außergewöhnliche zu messen, und analysiert Werke wie Rembrandts Danäe oder Rubens' Hélène Fourment im Pelzmantel.
Berger argumentiert, dass in der europäischen Kunsttradition die Art und Weise, wie Frauen dargestellt werden, oft den Blick des männlichen Betrachters widerspiegelt. Die Frau wird nicht als ein Wesen mit eigener Handlungsfähigkeit oder eigenem Blick dargestellt, sondern als jemand, der sich selbst durch die Augen des Mannes betrachtet. Sie existiert, um gesehen zu werden, und ihr Wert und ihre Identität sind oft an ihre Darstellung und ihre Wirkung auf den männlichen Betrachter gebunden. Diese Analyse des weiblichen Aktes als Spiegelbild gesellschaftlicher Machtverhältnisse und des Blicks ist zu einem grundlegenden Text in der feministischen Kunstkritik geworden.
Werbung: Der Erbe der Ölmalerei
Der vierte Essay in „Ways of Seeing“ beschäftigt sich mit der Werbung („publicity“ im Britischen) und den sozialen Beziehungen und Einstellungen, die dieser Bildkategorie zugrunde liegen. Berger zeichnet ihre verschiedenen Modalitäten nach: wie sie auf den Zuschauer-Käufer wirkt und was sie über die Werte der spätkapitalistischen Kultur aussagt. Da Werbung die Erfahrung des Besitzens suggerieren muss, argumentiert Berger für die Kontinuität zwischen der visuellen Sprache der Ölmalerei und der Sprache der Werbung. Er betrachtet Werbung als die „letzte, sterbende Form“ der post-renaissancistischen europäischen Kunst.
Werbung ruht auf ähnlichen Annahmen wie die Ölmalerei und reproduziert daher, insbesondere in Form von Farbillustrationen, nicht nur die „taktilen Werte“, sondern häufig auch die traditionelle Bildsprache der Ölmalerei. Werbung unterscheidet sich jedoch von der traditionellen Ölmalerei in ihrer Funktion. Während die Ölmalerei das bestehende Leben des Zuschauer-Besitzers bestätigte und ausschmückte, operiert Werbung in der Zukunft und verspricht, dass Sicherheit, Glamour und Glück für den Preis des beworbenen Produkts zu haben sind. Sie schafft eine Sehnsucht nach dem, was man nicht hat, und suggeriert, dass der Besitz des Produkts das Versprechen von Glück und Vollkommenheit erfüllt.
Ein marxistischer Blick auf Kunst und Gesellschaft
Bergers Ansatz in „Ways of Seeing“ ist im Wesentlichen paradigmatisch: Um das Außergewöhnliche zu verstehen, ist es zunächst notwendig, das Unauffällige oder die Norm der Erfahrung zu bewerten. Während die meisten kulturellen und kunsthistorischen Kritiken nur das Außergewöhnliche behandeln, nimmt Berger die gegenteilige Position ein. Jeder der vier illustrierten Essays in „Ways of Seeing“ handelt zu einem großen Teil davon, Normen zu entdecken.
Er beantwortet diese Fragen, indem er auf Marx' Analyse von Waren zurückgreift, insbesondere auf das Konzept des „Warenfetischismus“ – die Art und Weise, wie die Warenform die sozialen Beziehungen, die im kapitalistischen Modus der Warenproduktion implizit sind, verbirgt, so dass der Wert als etwas in den Dingen (Waren) Inhärentes und nicht als etwas aus den sozialen Beziehungen zwischen Menschen Entstehendes begriffen wird. Berger wendet dieses Konzept an, um zu erklären, wie Kunstwerke heute oft als verherrlichte Waren erlebt werden, deren potenzieller Sinn dem Betrachter entzogen wird.
Sein Fokus auf die soziale Funktion der Kunst und die „Bedürfnisse, die Kunst beantwortet“, ist ein zentrales Element seines marxistischen Ansatzes. Es geht ihm nicht primär um die hierarchische Bewertung von Künstlern, sondern darum zu verstehen, welche Rolle Kunst in der Gesellschaft spielt und welchen Bedürfnissen sie dient – oder eben nicht dient, wenn sie durch kapitalistische Strukturen pervertiert wird. Er kritisiert die traditionelle Kunstgeschichte dafür, dass sie die ideologischen Dimensionen und die sozialen Kontexte, in denen Kunst geschaffen und konsumiert wird, ignoriert oder verschleiert.
Kritische Einordnung und bleibender Einfluss
Obwohl „Ways of Seeing“ aufgrund seiner Kürze und seines populären Ansatzes manchmal unter dem Vorwurf der Verallgemeinerung oder des Auslassens leidet, ist es Berger erfolgreich gelungen, eine umfassende Perspektive zu skizzieren, die über frühere marxistische Kritiker hinausgeht. Die Kritik, dass er manchmal bewusste Motive im Verhalten von Klassen oder Individuen unterstellt (im Sinne von „Herrschende-Klasse-Komplotten“) oder künstlerische Entscheidungen überinterpretiert, ist berechtigt. Berger neigt dazu, die Mystifizierung von Kunstgeschichte oder künstlerische Brüche mit Normen als Ergebnis bewusster Manipulation oder kritischer Selbstanalyse darzustellen, während Ideologie oft auch unbewusst entsteht und die Ideologen oft die ersten sind, die sich selbst mystifizieren. Auch seine Interpretation künstlerischer Rebellion als bewussten Kampf gegen tradierte Sehweisen mag bei einzelnen Künstlern wie El Greco, Watteau oder Turner nicht immer zutreffen oder zumindest nicht die volle Komplexität ihrer Motivationen erfassen.
Dennoch bieten Bergers Einsichten, insbesondere wenn sie sensibel und in Kombination mit anderen kritischen und historischen Methoden angewendet werden, ein unschätzbares kritisches Werkzeug. Seine Analyse der Ölmalerei als Ausdruck des Besitzes, des weiblichen Aktes als Objekt des Blicks und der Kontinuität zwischen Ölmalerei und Werbung haben das Feld der Kunstgeschichte und visuellen Kulturkritik nachhaltig geprägt. Er hat gezeigt, wie tief wirtschaftliche und soziale Strukturen in die Art und Weise, wie wir sehen und Bilder interpretieren, eingeschrieben sind. Seine Arbeit hat dazu beigetragen, die Kunstgeschichte aus dem Elfenbeinturm zu holen und sie als Teil umfassenderer gesellschaftlicher Diskurse zu positionieren.
Berger war nicht nur ein Kritiker, sondern auch ein politisierter Künstler, der die Grenzen zwischen verschiedenen Formen wie Journalismus, Kritik, Fiktion und visuellen Medien verwischte. „Ways of Seeing“ mit seinen bildlichen Essays, in denen Bilder oft die aussagekräftigsten Punkte machen, ist teilweise als Demonstration dieser „Bildersprache“ gedacht. Für Berger ist das Durchbrechen der gegenwärtigen ideologischen Verschleierung ein politischer Akt und ein Prozess der Entmystifizierung, dessen schriftliche Kritik nur ein Teil ist. Seine verschiedenen Unternehmungen sind letztendlich verschiedene Momente eines einzigen politischen und philosophischen Projekts. Obwohl „Ways of Seeing“ als reines Werk der Kritik fragmentiert und unvollständig erscheinen mag, besitzt es die Kraft einer fantasievollen Schöpfung und bleibt ein Eckpfeiler für das Verständnis der Beziehung zwischen Kunst, Macht und Gesellschaft.
Häufig gestellte Fragen zu John Bergers Theorie des Sehens
Was ist die Hauptidee von John Bergers „Ways of Seeing“?
Die Hauptidee ist, traditionelle und mystifizierende Arten, Kunst zu sehen, zu hinterfragen. Berger argumentiert, dass unsere Wahrnehmung von Bildern stark von sozialen, wirtschaftlichen und ideologischen Faktoren, insbesondere vom Kapitalismus, geprägt ist. Er zeigt, wie Kunstwerke oft als Waren betrachtet werden und wie Reproduktion ihren Status verändert.
Wie verbindet Berger Kunst und Kapitalismus?
Berger sieht die traditionelle Ölmalerei als eine Kunstform, die eng mit dem Aufstieg des Kapitalismus und der Bedeutung des Privateigentums verbunden ist. Er argumentiert, dass die Ölmalerei dazu neigt, die Welt als etwas Greifbares, als etwas, das man besitzen kann, darzustellen. Diese „Sprache des Besitzes“ setzt sich in der modernen Werbung fort.
Welche Rolle spielen Reproduktionen (Fotografie, Drucke) in Bergers Theorie?
Reproduktionen verändern den Status des Originalkunstwerks grundlegend. Sie entziehen dem Original seine traditionelle „Aura“ und machen es universell zugänglich. Berger kritisiert jedoch, dass Reproduktionen oft dazu verwendet werden, die Autorität des Originals und damit bestehende gesellschaftliche Hierarchien und Ungleichheiten zu zementieren, anstatt eine neue, kritische „Bildersprache“ zu ermöglichen.
Warum analysiert Berger den weiblichen Akt so detailliert?
Die Darstellung des weiblichen Aktes in der westlichen Kunst dient Berger als Beispiel dafür, wie Bilder gesellschaftliche Einstellungen und Machtverhältnisse widerspiegeln. Er analysiert, wie die Frau oft als passives Objekt dargestellt wird, das für den Blick und das Begehren des männlichen Betrachters existiert, was die ungleiche Position der Frau in der Gesellschaft widerspiegelt.
Ist John Bergers Werk heute noch relevant?
Ja, absolut. „Ways of Seeing“ ist ein grundlegender Text in der Kunstgeschichte, Kulturkritik und Medientheorie. Seine Analysen darüber, wie wirtschaftliche und soziale Kräfte unsere visuelle Wahrnehmung beeinflussen, wie der Status von Bildern durch Technologie verändert wird und wie Werbung funktioniert, sind in unserer visuell gesättigten und kapitalistisch geprägten Welt hochgradig relevant geblieben.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass John Bergers Theorie des Sehens in „Ways of Seeing“ eine radikale Herausforderung für konventionelle Ansichten über Kunst und Bilder darstellt. Er zwingt uns, die unsichtbaren Fäden zu erkennen, die Kunst mit Wirtschaft, Macht und Ideologie verbinden. Sein Werk bleibt ein unverzichtbarer Leitfaden für jeden, der lernen möchte, die visuelle Welt um uns herum kritischer und bewusster zu „sehen“.
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