Schon früh faszinierte mich die Welt der visuellen Künste. Während die Fotografie schnell zu meinem ständigen Begleiter wurde, blieb die Malerei lange Zeit eine ferne, fast einschüchternde Disziplin. Sie schien den „echten“ Künstlern vorbehalten zu sein, jenen, die in der Lage waren, die Welt realistisch auf Leinwand zu bannen. Erst Jahre später, inspiriert von der Erkenntnis, dass selbst ein Meister wie Van Gogh erst mit 27 Jahren zu malen begann, wagte ich den Schritt. Was ich dabei entdeckte, war nicht nur eine neue Leidenschaft, sondern auch die tiefe, oft übersehene Verbindung zwischen diesen beiden Kunstformen: der Fotografie und der Malerei.
Die Beziehung zwischen diesen Medien reicht weiter zurück, als man zunächst vermuten mag. Einige historische Hypothesen legen nahe, dass die Wurzeln dieser Verbindung bereits in der Altsteinzeit zu finden sind, wenn auch unbeabsichtigt. Archäo-optische Experimente von Matt Gatton deuten darauf hin, dass Licht, das durch winzige Löcher in Zelten oder Höhlen fiel, optische Effekte hervorrufen konnte, die wir heute als „Camera Obscura“ kennen. Diese lichtgetragenen Bilder könnten der Menschheit erstmals die Möglichkeit der Darstellung vor Augen geführt und spätere prähistorische Höhlenmalereien inspiriert haben.
Die historische Verbindung
Von der Camera Obscura zum ersten Foto
Die Idee, Bilder mithilfe von Licht zu projizieren, ist also uralt. Doch erst im 19. Jahrhundert gelang es, diese Bilder dauerhaft festzuhalten. Als die Fotografie 1826 geboren wurde, war die Reaktion in der Kunstwelt dramatisch. Der berühmte Künstler Paul Delaroche soll ausgerufen haben: „Die Malerei ist tot!“
Konflikt und Befreiung: Malerei nach 1826
Die folgenden Jahrzehnte waren von einem erbitterten Wettstreit zwischen den beiden Medien geprägt. Die „minutiöse Genauigkeit des Daguerreotyps“ schien der Malerei überlegen. Kritiker wie Charles Baudelaire brandmarkten die Fotografie 1859 als „den Todfeind der Kunst“. Die Fotografie konnte die Realität scheinbar mühelos und mit unübertroffener Präzision abbilden und stellte damit die Malerei, die sich jahrhundertelang der realistischen Darstellung verschrieben hatte, fundamental in Frage.
Paradoxerweise führte dieser Konflikt zu einer revolutionären Befreiung für die Malerei. Indem die Fotografie die Aufgabe der exakten Wirklichkeitsabbildung übernahm, befreite sie die Maler von diesem Zwang. Künstler erhielten die Möglichkeit, sich von den strengen Regeln des Realismus zu lösen und zu experimentieren. Warum sollte man noch versuchen, die Realität perfekt abzubilden, wenn eine Kamera dies schneller und präziser konnte? Diese neu gewonnene Freiheit ebnete den Weg für revolutionäre Kunstströmungen wie den Impressionismus, den Dadaismus, den Abstraktionismus und viele andere, die sich nicht mehr primär der naturgetreuen Darstellung, sondern der Interpretation, dem Gefühl oder dem Konzept widmeten.
Fotografie als Werkzeug für Maler
Im Laufe der Zeit wandelte sich die Beziehung von Rivalität zu gegenseitiger Befruchtung. Fotografien dienten und dienen vielen Malern – mich eingeschlossen – als unschätzbare Referenzbilder. Auch wenn das Malen „en plein air“ (direkt vor dem Motiv) für das Verständnis von Farben und Tiefen als überlegen gilt, sind Referenzfotos unverzichtbare Werkzeuge. Sie helfen Malern, Lichtbedingungen zu studieren und korrekte Proportionen zu messen – beides entscheidend, insbesondere in der figurativen Malerei.
Ein prominentes Beispiel ist der berühmte Maler Norman Rockwell. Er inszenierte oft ganze Sets in seinem Studio und ließ sie von einem Fotografen ablichten, um die Bilder später als Vorlagen für seine detaillierten Gemälde zu nutzen. Die Fotografie wurde so vom vermeintlichen Feind zu einem wertvollen Verbündeten im Schaffensprozess.
Fotorealismus: Malerei, die aussieht wie ein Foto
Die Beziehung zwischen Fotografie und Malerei fand eine besonders ausgeprägte Form im Fotorealismus. Dieses Genre der Kunst – zu dem Malerei, Zeichnung und andere grafische Medien gehören – zeichnet sich dadurch aus, dass Künstler Fotos als Vorlagen studieren und versuchen, die Bilder in einem anderen Medium so realistisch wie möglich zu reproduzieren. Obwohl der Begriff weit gefasst werden kann, bezieht er sich auch auf eine spezifische amerikanische Kunstbewegung, die Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre entstand.
Ursprünge und Entwicklung
Als vollwertige Kunstbewegung entwickelte sich der Fotorealismus aus der Pop Art und als Gegenbewegung zum Abstrakten Expressionismus sowie zu minimalistischen Kunstrichtungen. Fotorealisten nutzen eine oder mehrere Fotografien, um Informationen für ihre Gemälde zu sammeln. Die Akzeptanz der Fotografie als Werkzeug wurde bei der Entstehung der Bewegung Ende der 1960er Jahre stark kritisiert, obwohl Künstler schon seit dem 15. Jahrhundert optische Hilfsmittel nutzten.
Louis K. Meisel, ein wichtiger Chronist der Bewegung, beschreibt die drei Auswirkungen der Fotografie auf die Kunst: Porträt- und Landschaftsmaler wurden als der Fotografie unterlegen angesehen und viele wechselten zur Fotografie; Künstler des 19. und 20. Jahrhunderts nutzten Fotos als Quelle und Hilfsmittel, leugneten dies aber oft aus Angst, ihre Arbeit könnte als Nachahmung missverstanden werden; und die Erfindung der Fotografie eröffnete Künstlern neue Experimentiermöglichkeiten. Die Fotografie stellte die jahrhundertealte Herausforderung der Malerei, die Realität abzubilden, grundlegend in Frage.
Als die Fotorealisten zu arbeiten begannen, war die Fotografie das führende Mittel zur Reproduktion der Realität, während die Abstraktion im Fokus der Kunstwelt stand. Obwohl der Realismus als Kunstbewegung weiter existierte, wurde er von modernistischen Kritikern und dem Abstrakten Expressionismus in den 1950er Jahren als weniger bedeutend eingestuft. Fotorealisten teilten zwar einige Aspekte mit amerikanischen Realisten wie Edward Hopper, wollten sich aber sowohl von traditionellen Realisten als auch von Abstrakten Expressionisten abgrenzen. Sie waren stärker von der Pop Art beeinflusst und reagierten gegen den Abstrakten Expressionismus.
Pop Art und Fotorealismus waren beide Reaktionen auf die zunehmende und überwältigende Fülle an fotografischen Medien, die Mitte des 20. Jahrhunderts so massiv wurde, dass sie den Wert von Bildern in der Kunst zu mindern drohte. Während die Pop-Künstler jedoch hauptsächlich die Absurdität vieler Bilder (insbesondere in der Werbung) aufzeigten, versuchten die Fotorealisten, den Wert eines Bildes zurückzugewinnen und zu erhöhen.
Eine häufige Fehlinterpretation in den 1970er und 1980er Jahren war die Gleichsetzung des Fotorealismus mit Trompe-l'œil. Trompe-l'œil-Gemälde versuchen, das Auge zu täuschen und den Betrachter glauben zu lassen, er sähe ein echtes Objekt. Beim Betrachten eines fotorealistischen Gemäldes ist sich der Betrachter jedoch immer bewusst, dass er ein Gemälde betrachtet.
Was ist Fotorealismus? Eine Definition
Das Wort „Photorealism“ wurde 1969 von Louis K. Meisel geprägt und erschien erstmals 1970 in einem Katalog des Whitney Museums für die Ausstellung „Twenty-two Realists“. Es wird manchmal auch als Super-Realism, New Realism, Sharp Focus Realism oder Hyperrealismus bezeichnet.
Meisel entwickelte später eine Fünf-Punkte-Definition für die „Begründer“ der Bewegung, die unter anderem für eine wichtige Wanderausstellung diente:
1. Der Fotorealist nutzt die Kamera und das Foto, um Informationen zu sammeln.
2. Der Fotorealist verwendet mechanische oder halbmechanische Mittel, um die Informationen auf die Leinwand zu übertragen.
3. Der Fotorealist muss über die technische Fähigkeit verfügen, das fertige Werk fotografisch erscheinen zu lassen.
4. Der Künstler muss seine Arbeiten bis 1972 als Fotorealist ausgestellt haben, um als einer der zentralen Fotorealisten zu gelten (dieser Punkt bezieht sich spezifisch auf die erste Generation).
5. Der Künstler muss sich mindestens fünf Jahre der Entwicklung und Ausstellung fotorealistischer Werke gewidmet haben (ebenfalls bezogen auf die Ursprungsbewegung).
Stil und Techniken
Fotorealistische Malerei kann ohne die Fotografie nicht existieren. Im Fotorealismus müssen Veränderung und Bewegung in der Zeit eingefroren und dann vom Künstler genau wiedergegeben werden. Fotorealisten sammeln ihre Bilder und Informationen mit der Kamera und dem Foto. Sobald das Foto entwickelt ist (oft als Diapositiv), überträgt der Künstler das Bild systematisch vom Diapositiv auf die Leinwand. Dies geschieht üblicherweise entweder durch Projektion des Dias auf die Leinwand oder durch die Verwendung traditioneller Rastertechniken.
Die resultierenden Bilder sind oft direkte Kopien des Originalfotos, aber in der Regel größer als das Originalfoto oder Diapositiv. Dies führt dazu, dass der fotorealistische Stil sehr präzise ist, oft mit einem Schwerpunkt auf Motiven, die ein hohes Maß an technischem Können erfordern, um sie zu simulieren, wie z. B. Reflexionen auf glänzenden Oberflächen und die geometrische Strenge von menschengemachten Umgebungen.
Bekannte Fotorealisten
Zur ersten Generation amerikanischer Fotorealisten gehören Maler wie Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack, Don Eddy, Denis Peterson, Robert Bechtle, Ron Kleemann, Richard McLean, John Salt, Ben Schonzeit und Tom Blackwell. Sie arbeiteten oft unabhängig voneinander und widmeten sich alltäglichen oder bekannten Themen traditioneller Kunstgenres – Landschaften (meist städtisch), Porträts und Stillleben.
Mit der Entstehung der Bewegung verfeinerten viele Maler ihre Techniken und bildeten die zweite Generation der Fotorealisten, darunter John Baeder, Hilo Chen, Jack Mendenhall, Ken Marschall, David Parrish und Idelle Weber.
Auch in Großbritannien gab es Vertreter des Fotorealismus, wie Mike Gorman und Eric Scott. Neben Malern gab es auch Bildhauer, die dem Fotorealismus zugeordnet werden, wie Duane Hanson und John DeAndrea, bekannt für ihre bemalten, lebensechten Skulpturen von Durchschnittsmenschen, die als Veristen bezeichnet werden.
Fotorealismus heute: Hyperrealismus und internationale Einflüsse
Obwohl der Höhepunkt des Fotorealismus in den 1970er Jahren lag, existiert die Bewegung fort und umfasst sowohl einige der ursprünglichen Fotorealisten als auch viele Zeitgenossen. Stand 2020 war Richard Estes der einzige verbliebene ursprüngliche Fotorealist, der noch aktiv im fotorealistischen Stil arbeitet. Viele der ersten Generation sind verstorben oder haben sich vom Fotorealismus abgewendet.
Neuere Fotorealisten bauen auf den Grundlagen der Originale auf, wie z. B. die Einflüsse von Richard Estes in den Werken von Anthony Brunelli oder von Ralph Goings und Charles Bell in den Werken von Glennray Tutor. Dies hat jedoch dazu geführt, dass sich viele von der strengen Definition des Fotorealismus als reine Nachahmung der Fotografie entfernt haben. Der Fotorealismus ist auch nicht mehr nur eine amerikanische Kunstbewegung. Seit den 1980er Jahren sind internationale Künstler wie Franz Gertsch, Clive Head, Raphaella Spence, Bertrand Meniel und Roberto Bernardi hervorgetreten. Diese Internationalisierung zeigt sich auch in Projekten wie „The Prague Project“, bei dem amerikanische und nicht-amerikanische fotorealistische Maler zusammen an verschiedenen Orten arbeiten.
Die Weiterentwicklung der Technologie hat fotorealistische Gemälde hervorgebracht, die über das hinausgehen, was früher für möglich gehalten wurde. Diese neueren Werke werden manchmal als „Hyperrealismus“ bezeichnet. Mit neuer Technologie bei Kameras und digitaler Ausrüstung können Künstler präziser arbeiten und Bilder mit einer breiteren Palette von Medien erstellen. Einige Künstler experimentieren sogar mit ungewöhnlichen Materialien, wie Bill Fink, der fotorealistische Bilder mit Erde, Pollen, menschlichem Haar und eingeäscherter menschlicher Asche schafft.
Der Einfluss und die Popularität des Fotorealismus nehmen weiter zu, und neuere Publikationen dokumentieren die aktuellen Trends innerhalb dieses Genres.
Häufig gestellte Fragen (FAQ)
Wie nennt man es, wenn ein Gemälde wie ein Foto aussieht?
Dieses Kunstgenre wird als Fotorealismus bezeichnet. Es handelt sich um Malerei (oder andere Medien), bei der der Künstler ein Foto als Vorlage nimmt und versucht, es so realistisch wie möglich auf die Leinwand oder das Papier zu übertragen.
Wann entstand die Kunstbewegung des Fotorealismus?
Der Fotorealismus entwickelte sich als spezifische Kunstbewegung in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten.
Was sind die Hauptmerkmale des Fotorealismus?
Hauptmerkmale sind die Verwendung von Fotografien als Grundlage, die präzise Wiedergabe von Details, oft unter Einsatz von Techniken wie Raster oder Projektion zur Übertragung des Bildes, und das Ziel, das fertige Werk fotografisch erscheinen zu lassen, wobei der Betrachter jedoch weiß, dass es sich um ein Gemälde handelt (im Gegensatz zu Trompe-l'œil).
Ist Fotorealismus dasselbe wie Hyperrealismus?
Hyperrealismus wird oft als Weiterentwicklung oder zeitgenössische Form des Fotorealismus betrachtet, die durch moderne Technologie noch höhere Detailgenauigkeit und Präzision ermöglicht.
Die Beziehung zwischen Fotografie und Malerei war und ist dynamisch. Von anfänglicher Feindschaft über die Nutzung als Werkzeug bis hin zur Entstehung einer Kunstform, die die Grenzen zwischen den beiden Medien verschwimmen lässt, zeigen sie, wie Kunstformen sich gegenseitig beeinflussen, herausfordern und bereichern können.
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